Cuando ciertas películas cumplen aniversarios redondos son homenajeadas en prestigiosos festivales, restauradas, reeditadas en el mejor de los formatos con lujosas y exclusivas ediciones para coleccionista. De otras, sin embargo, parece no acordarse nadie. Y en este caso no hablamos de una oscura película de un director olvidado. Estamos hablando ni más ni menos que de John Carpenter, aunque no se trate de su mejor película. El 23 de octubre de 1987 se estrenaba en Estados Unidos El príncipe de las tinieblas. A pesar de su prometedor estreno, recuperando con creces en su primer fin de semana el presupuesto de la película, las malas críticas y las opiniones negativas de los primeros espectadores hicieron que la película no aguantara el tipo ni en pleno fin de semana de Halloween.

Yo no vi la película hace 25 años, pero sí unos 20, en su lanzamiento en vídeo. Hay muchas películas de John Carpenter que he revisitado con cierta frecuencia: La cosa, Halloween, La niebla o 1997 Rescate en Nueva York. Y generalmente no dejo pasar más de un año entero sin disfrutar otra vez de Golpe en la pequeña China (¡la próxima toca en bluray!). Y, sin embargo, El príncipe de las tinieblas no había dejado en mí una impresión suficientemente buena como para volver a ella con la persistencia de la que uno es capaz con las películas fetiche de la adolescencia.

Con quince años, a principios de los noventa, el cine de terror era para mí una cosa muy seria. Y El príncipe de las tinieblas es muchas cosas, pero seria no es. Con una primera parte plagada de discursos pseudocientíficos, puestos en boca ni más ni menos que del singular Victor Wong (en una eleccón de casting cuanto menos osada) son alucinantes, incomprensibles pero alucinantes. El científico es reclutado por Donald Pleasance en el papel de un sacerdote que se encuentra ante el reto de contener el mal absoluto, representado por un recipiente de líquido verde situado en el sótano de una iglesia.

Lo cierto es que, a pesar de lo que se nos quiere hacer creer durante toda la película, el argumento poco importa, porque lo único que cuenta es encerrar en la iglesia durante una noche a una decena de personas, expuestas a un elemento maligno que les va poseyendo (esto podría ser la descripción de muchas películas de Carpenter) a través de un chorro de líquido por el que el mal se va contagiando de unos a otros y van recibiendo muertes cada cual más pintoresca.

Quizás, contado en este tono, pueda parecer una película de la que mantenerse lo más alejado posible, por muy Carpenter que sea. Y eso es lo que mi yo de quince años, ese que se tomaba el terror muy en serio, pensaba. Mi yo de 35, ese ya no está para tonterías. O, mejor dicho, si las tonterías son como las de El príncipe de las tinieblas, sí está para ellas. Absolutamente cada elemento de la película que odié esa primera vez, ahora me parece exquisito. Desde el bigote de Jameson Parker, los diálogos imposibles y la jerga pseudo-científico-religiosa, hasta el sueño/transmisión alienígena. La parte central de la película, en la que las muertes de los miembros del equipo de investigadores se van sucediendo, además de ocurrir en muy poco tiempo, compiten entre sí por ver cuál es más chocante. Todo esto, aderezado por un ejército de sin techo, “liderados” por Alice Cooper,

Lo más curioso, aunque pueda parecer lo contrario, es que la película “funciona” como película de terror. El ritmo de la película es preciso, la fotografía es fantástica (a pesar de que los materiales usados en el DVD no son ni mucho menos los mejores), y los efectos especiales, sin ser muy numerosos, son tremendamente efectivos, como en la escena del mensaje de XXXXX o el propio contenedor de líquido verde satánica .

Como se veía venir a raíz de los comentarios entre críticos (curiosamente, sobre todo los de medios no especializados en fantástico) tras cada una de las proyecciones, la película de Leos Carax Holy Motors arrasó en el palmarés de Sitges. Mejor película, mejor dirección, premio del jurado de la crítica y el Méliès de plata a la mejor película europea, son los galardones que se lleva.

Premios Jurado Sección Oficial Fantástico Competición (Judith Colell, Denise Crosby, Lamberto Bava, Nacho Cerdà y William Lustig)

Mejor película fantástica en competición:
Holy Motors, de Léos Carax

Premio especial del jurado:
Chained, de Jennifer Lynch

Mejor dirección:
Holy Motors, de Léos Carax

Mejor Interpretación
Sightseers, a Alice Lowe
Chained, a Vincent D’Onofrio

Mejor guión:
Sightseers, d’Amy Jump, Alice Lowe i Steve Oram

Mejores efectos especiales:
The Viral Factor, de Yee Kwok-leung, Garrett Lam, Ho Kwan-yeung

Mejor fotografía:
Headshot, de Chankit Chamnivikaipong

Premio del público
Robot & Frank, de Jake Schreier

Premios Jurado de la crítica (Eulàlia Iglesias, Beatriz Martínez y Juan Manuel Freire)

Premio José Luis Guarner:
Holy Motors, de Léos Carax

Mención especial del jurado de la Crítica:
Berberian Sound Studio, de Peter Strickland

Premio Citizen Kane al mejor director novel:
Antiviral, de Brandon Cronenberg

Premios Jurado Sección Noves Visions (Julian Richards, Jaume Ripoll y Carlos Vermu)

Premio Noves Visions:
Rebelle, de Kim Nguyen

Premio “No-Ficció”:
Me @ the Zoo, de Chris Moukarbel, Valerie Veatch

Premio Petit Format:
Crazy & Thief, de Cory McAbee

Premios Jurado de la Secció Casa Asia – Anima’t (Frédéric Ambroisine, Ricardo Reparaz y Eduard Terrades)

A la mejor película de la Sección Casa Àsia:
Dragon (Wu Xia), de Peter Ho-sun Chan

A la mejor película de animación:
Okami kodomo no ame to yuki (Wolf Children), de Mamoru Hosoda

Al mejor cortometraje de animación:
Fuga, de Juan Antonio Espigares

Premios Jurado Méliès d’Argent (Blai Morell, Garrick Dion y Shelagh Rowan-Legg)

Al largometraje de la Sección Oficial Europea Fantástica en Competición:
Holy Motors, de Léos Carax

Al cortometraje de la Sección Oficial Europea Fantástica en Competición:
Eat, de Moritz Krämer

Al largometraje de la Sección Oficial Fantàstic Panorama en Competición
Tower Block, de James Nunn, Ronnie Thompson

Al cortometraje de la Sección Oficial Fantàstic Panorama en Competición:
Elefante, de Pablo Larcuen

Premios jurado de la Secció Brigadoon (Denise Castro, Celia Novis y Sergi Vizcaíno)

Premio Brigadoon – Paul Naschy al mejor cortometraje Brigadoon:
Zona de caza, de Jordi O. Romero

Mención especial al cortometraje La Cruz, dirigido por Alberto Evangelio, por su capacidad para llevar el terror doméstico al límite.

Premios Carnet Jove (Sandra Astor (presidenta), Meritxell Meya, Jaime A. Herrera, Joan Ruiz y Hèctor Prats)

Premio Jurado Carnet Jove a la mejor película oficial Fantàstic Competición:
Antiviral, de Brandon Cronenberg

Mejor película de la Sección Midnight X-Treme:
Stitches, de Conor McMahon

Premios jurado SGAE – Nova Autoria (Inés París, Sílvia Munt y Arnau Bataller)

Mejor dirección:
Carles Harillo Magnet, por El mal menor, presentado pel CECC

Mejor guión:
Carles Harillo Magnet, por El mal menor, presentado pel CECC

Mejor música original:
Gonzalo Perales, compositor de la banda sonora de Big red sour apple, presentado per l’ECIB

Menciones especiales a:
Stephan Hofmann, por El crimen desorganizado, presentado por la esucela Bande à Part
Javier Sanz y Gisela Remolins, por Desvísteme, presentado por l’ESCAC
Fran Ramírez, por 1H92, presentado por la Universitat Rovira i Virgili

En el último tirón antes de darse a conocer el palmarés del festival, muchas fueron las películas que llamaron la atención por uno u otro motivo en este noveno día del festival.

El bosc (Oscar Aibar, España)
Con un poco de suerte, esta película no correrá la misma suerte que otras películas españolas vistas en el festival en los últimos años y podremos verla en cines. La película ha gustado, y eso siempre es un buen síntoma de cara a su difusión posterior.

Muy valiente y con unos ingredientes que nada tienen que ver con los habituales en estos potajes tan trillados Kiko Vega (@kikovegar)

El Bosc es menos vistosa que El laberinto del fauno, pero mejor película¹ @GerardFossas

Descomcertante, temeraria y nada complaciente, “El bosc” no toma solo “La guerra de los mundos” como referencia puntual, sino como clave Noel Ceballos (@NoelBurgundy)

Sinister (Scott Derrickson, Estados Unidos)
Perjudicada por un hype demasiado elevado, Sinister parece haber decepcionado a más de uno, pero me quedo con esta frase que define bastante bien esta época de postmodernismo y metaficciones varias:

Guste mas o menos, que no mata, Sinister es la primera peli de terror del Festival. Que yo haya visto. Louis Cyphre (@xfar1)

Hotel Transylvania (Genndy Tartakovsky, Estados Unidos)
Genndy Tartakovsky es un genio. Eso que quede claro. Quizá el más personal de los animadores descubiertos por Fred Seibert en What a Cartoon, sigue luchando por sacar adelante su proyecto de largometraje de Samurai Jack, y este Hotel Transylvania 3D (proyecto al que se incorporó ya avanzada la producción) responde principalmente a que forma parte de un acuerdo que le permitiría desarrollar sus propios proyectos. Quizá eso explique el resultado:

“Hotel Transylvania” tiene una secuencia interesantísima y mucha sabiduría animada, pero tantas concesiones… Noel Ceballos (@NoelBurgundy)

The ABCs of Death (Varios, Estados Unidos)
En este nuevo auge de las películas antología (u omnibus como las llaman algunos), lo que propone The ABCs of Death es llegar al extremo. 26 directores cada uno de su padre y de su madre, cada uno con su cortometraje, componen esta película de auténtica locura:

Hay cosas muy muy chulas en The ABCs of death y otras no tan chulas, pero no da tiempo de llegar a odiar ninguna. Kiko Vega (@kikovegar)

El festival se va acercando a su recta final y parece que ya cuesta encontrar películas que levanten pasiones.

The Tall Man (Pascal Laugier, Estados Unidos)
Pensar que Pascal Laugier podría repetir con su última película (El hombre de las sombras se llamará en España cuando se estrene en diciembre) la pequeña revolución que supuso su película anterior, Martyrs, era pecar de optimistas. Así que las decepciones abundan:

No está en la senda de Martyrs (…). Una pena. Intenta jugar con los mecanismos del terror pero no llega. Borja Crespo (@ElTioCreespy)

frustra su inquietante premisa y perverso mensaje antisocial con un ritmo y unas imágenes demasiado complacientes (@johntones)

Bastante más tibio en forma que su anterior film, pero más maduro en sus conclusiones, sin dejar de acudir a un cierto populismo. Nicolás Ruiz (Cineuá)

Grabbers (Jon Wright, Reino Unido)
A otro nivel, Grabbers también decepciona. Lo hace porque en su condición de cine gamberro

Tremors + Gremlins + The Blob + Yo me compré una moto vampiro, pero no mola tanto cono podría esperarse de esa ecuación (@bolginferno)

El mismo John Tones desarrolla después esta opinión.

Le falta (…) algo de brío y originalidad que levante la extraordinaria premisa, que mueve la segunda mitad del film. John Tones (Inferno)

La gracia le dura 10 minutos, el interés 6 o 7. @AlejandroGCalvo

A priori, este parecía un día flojo del festival, pero muchos son los que han acabado convencidos no solo de que Brandon Cronenberg es algo más que el hijo de David, sino que hay hasta quien considera Antiviral la película del festival.

Antiviral (Brandon Cronenberg, Estados Unidos)
Que Brandon Cronenberg haya elegido un tema muy del gusto de su padre (al menos de su gusto en los 80 y principios de los 90) para su debut, no parece ayudarle a encontrar su puesto en el mundo del fantástico.

Brandon Cronenberg necesita encontrar una identidad, pero por ahora copia bien los primeros trabajos de papa @pacosilva92

Parece que en Antiviral quiera dejar constancia de que es digno hijo de su padre @BatrizMartnezG

Hay quien quiere ver más allá del apellido y tiene en alta consideración de la película.

Antiviral tiene una premisa alucinante y es enferma, obscena, perversa y agónica. No me puede gustar más. @DesireedeFez

Buenas ideas en un desarrollo alargado innecesariamente @AlejandroGCalvo

Wrong (Quentin Dupieux, Francia)
Que Dupieux es un provocador no lo duda nadie. Capaz de realizar una película centrada en un neumático asesino (Rubber), con este segundo cortometraje

Para empezar una frase que, según quién la lea, es un halago o una crítica:

Como un capítulo de Museo Coconut dirigido por Richard Kelly Julián García (El Periódico)

Las opiniones sobre la película son variadas, aunque tienden a la decepción. Lo que sí que le reconocen es un humor personal que no es plato de gusto de todo el mundo, pero que quienes lo saben apreciar lo disfrutan enormemente.

Es más madura que Rubber, pero la sorpresa se ha diluido y el artefacto ya no da más de sí. Gerard A. Cassadó (@Gerard_ACassado)

Gran comedia surrealista al nivel de Rubber. Quentin Dupieux sabe hace reír al personal. @fernandopolanco

El sexto día prometía dos grandes nombres, Cronenberg y Argento, y la proyección de Berberian Sound Studio, película que ha fascinado a más de uno y que en su paso por Sitges ha generado una batalla en las redes sociales entre los enamorados de la película y los que la ven como un gran bluff.

Cosmopolis (David Cronenberg, Estados Unidos)
Entre los muchos valores de David Cronenberg está el que ningún director ha tenido o tendrá jamás el valor de adaptar a tantos autores literarios difíciles. Adaptó a William S. Burroughs (El almuerzo desnudo), a J. G. Ballard (Crash), y ahora se atreve con Don DeLillo, en una de sus obras más complejas. El resultado, obviamente, no es apto para todos los públicos, pero cala entre aquellos que sí se encuentran a gusto en ese cruce de caminos entre lo cronenbergiano y lo delillano.

Un descenso a los infiernos que (…) traza curiosos puentes conceptuales con películas del canadiense que parecen distantes, como Videodrome. (…) Es uno de los retratos morales más desoladores de los últimos años. John Tones (Inferno)

Metáfora suicida de personalidad múltiple, Cosmopolis es fascinante, irritante, pertinente, pedante, glacial y sexual. Xamfargo

Berberian Sound Studio (Peter Strickland, Reino Unido)
Cuando Jordi Costa comenzó a dedicar grandes elogios a esta película en su cuenta de Twitter, poco iba a penar en el encendido debate que se provocaría un mes después entre defensores y detractores de la película tras su proyección en el festival.

Onírica, sugerente, espectral, experimental, bella, vampírica, compleja, sensorial, innovadora, brillante, atípica, rompedora, sui generis, metafílmica, claustrofóbica, reveladora, extraña, avanzada, visionaria, atípica, imprevisible, arriesgada. Todas la definen, para lo bueno y para lo malo. Xavi Pujol (vía Facebook)

Es una de las metaficciones más interesantes del año gracias a su valentía expositiva y a su absoluta renuncia a las concesiones con el espectador.  John Tones (Inferno)

Dracula 3D (Dario Argento, Italia-España)
Mayor unanimidad se produce al hablar de la última película de Dario Argento. Producida por Enrique Cerezo y rodada en 3D, las imágenes que habían podido verse hasta ahora mostraba un producto subestándar al menos a nivel visual. Por lo visto, no es esa su única carencia:

Sólo la agradecida presencia de Rutger Hauer, lo abismal de los FX y algún destete ocasional animan una cinta nacida (imagino) para que Enrique Cerezo pueda blanquear dinero negro. Xamfargo

Es un horror infratecnológico con tantas tetas, sangre, bichos y comedia involuntaria que hacen imposible odiarla @johntones

Chained (Jennifer Lynch, Estados Unidos)
También era el turno para Jennifer Lynch, que ha dejado a casi todo el mundo desencantado:

Aunque consigue mantener el interés durante todo el metraje y cuenta con un entregado Vincent D’Onofrio, uno no puede evitar pensar que la cosa podría haber dado mucho más juego. Xamfargo

Empieza siendo un psychothhriller y termina como un psicodrama familiar que no hay por donde cogerlo Beatriz Martínez (@BeatrizMartnezG)

No termina de levantar el vuelo por culpa de un desarrollo anodino, un tirar de melodrama barato con demasiada facilidad y un giro final absolutamente innecesario y lamentable. John Tones (Inferno)

Los seguidores de Rob Zombie son legión en Sitges, por lo que Lords Of Salem, su última película (de la que tan solo unos días antes pudo verse su primer trailer) había generado una enorme expectación. ¿Y qué suele pasar cuando las expectativas son demasiado altas? Pues pasa lo que tiene que pasar: muchas decepciones. Aunque a la película no le faltan valedores.

Lords Of Salem (Rob Zombie, Estados Unidos)
Rob Zombie, quemadas sus etapas revivalistas del cine de terror redneck y del slasher, da un salto y pasa a homenajear la exploitation de brujas y cultos satánicos. En una edición que dedica una retrospectiva al cine de culto¹, todo tiene bastante sentido. 

El bueno de Rob Zombie trata de ser Polanski, Lynch y Jodorowsky, y la cosa le sale bastante rana. Xamfargo

El Rob Zombie guionista olvida las reglas básicas para que una historia funcione y se deja llevar por su yo esteta y videoclipero. (…) Hay tantos detalles que evidencian la pereza en el trabajo del libreto que uno se pasa la proyección indignado. Fernando Polanco (Las horas perdidas)

El director ha querido acercarse a alguien como Ti West, es decir, mirar hacia cierto terror de los 70 y 80 de crescendo lento, pero en Zombie lo taciturno puede ser tedioso. Que se deje de lo psíquico, piden algunos, y vuelva a lo físico. Juan Manuel Freire (El Periódico)

Pero la película también cuenta con defensores, entre ellos el propio Ángel Sala, director del festival, que la une con otro de los títulos más representativos de esta edición:

Cabin In The Woods es el punto final de la ola referencial del horror . Lords of Salem es el principio de algo alucinante. @aangelsala

Entendemos perfectamente que la última película de Zombie no haya recibido la aceptación unánime del público de Sitges, (…) es lineal, no tiene progresión dramática, es simple e impactante. Pero nos ha cautivado la forma de Zombie de hurgar en nuestro cerebro en busca de imágenes primigenias, de horror ancestral, inexplicablemente inquietantes (…), sin molestarse en hacer ninguna concesión a la narración tradicional tal y como la entendemos. (…) es una película genuínamente blasfema, conscientemente satánica, y por eso no se le puede pedir que guste a todo el mundo. Pero quien caiga en sus redes verá cómo sus pesadillas se derriten para convertirse en algo mucho más escalofriante. John Tones (Inferno)

Perturbadora. Satánica y necesaria. Un delirio pop plagado de referencias para cinéfagos sin prejuicios. Oscura. Libre. Borja Crespo (@ElTioCreespy)

Sightseers
La nueva película del director de Kill List, película presentada en el festival en 2011, ha dado una gran sorpresa.

Una comedia negra estupenda, muy británica, llena de guiños al horror y al suspense, y que utiliza a unos personajes despiadados y grotescos para hablar de los pavores cotidianos John Tones (Inferno)

Está repleta de diálogos ácidos, situaciones ridículas y tronchantes y, más que otra cosa, asesinatos (con una violencia caricaturesca y muy graciosa) Fernando Polanco (Las horas perdidas)

Un divertimento que encajaría a la perfección en una sesión doble con Asesinos natos. Alejandro G. Calvo (Sensacine)

Safety Not Guaranteed
Esta comedia romántica independiente (o sci-lo-fi, como la llama Gerard Cassadó) justifica su presencia en el festival por una premisa que tiene que ver con viajes en el tiempo. Y ha conseguido algo que parece imposible, conseguir que una comedia romántica gane el favor de un público formado por aficionados al fantástico.

Se degusta como una comedia indie agradable. Entonces llega el final y ves que es muchísimo más que eso @DesireedeFez

Día intenso en Sitges, con uno de los estrenos más mediáticos que ha visto el festival en los últimos años, el de Lo imposible, la última película de J. A. Bayona, aunque para los aficionados al fantástico, los grandes momentos del día han sido otros:

ParaNorman (Chris Butler, Sam Fell, Estados Unidos)
Seguramente yo sea de los pocos que esperaban ParaNorman (El alucinante mundo de Norman será su título en España) con ansia, pero es que, fan confeso desde hace mucho tiempo de Heidi Smith, la ilustradora responsable de diseñar a los personajes, para mí esta no era solo una película de los creadores de Coraline. Por lo que veo, la película no defrauda:

Una de las mejores producciones rodadas a golpe de stop-motion que hemos visto en mucho tiempo, y que demuestra que una película para todos los públicos puede empezar con un pie pisando un cerebro, y hablar de la muerte y la culpa sin ningún problema… y sin dejar de ser desternillante. John Tones (Inferno)

Película soñada de halloween, carta de amor al cine de terror y alucinante BSO de Jon Brion. Una absoluta delicia. @XaviSanchez

Es la película que Tim Burton no ha hecho en una década. Juan Manuel Freire (@freirejuanma)

Para algunos, es incluso más que todo eso:

Une en su plástica lo mejor del 3D, la animación de muñecos y el cartoon. Y una historia maravillosa. Obra maestra. Jordi Sánchez-Navarro (@jordisn)

Cabin In The Woods (Drew Goddard, Estados Unidos)
Y si ParaNorman ha gustado, Cabin In The Woods está arrasando y pocos son los que le ponen pegas:

Un divertimento inteligente, afilado y descacharrante que acaba funcionando como una caja de sorpresas continuas . Alejandro G. Calvo (Sensacine)

Cine de terror espectáculo, reflexión erudita sobre el género, chascarrillos y un fumeta. OBRA MAESTRA. @XaviSanchez

Superficialmente es fascinante, pero si se rasca un mínimo, hay una matemática y una genialidad que convierten a Cabin in the Woods en una película de culto garantizado en cero coma. John Tones (Inferno)

Robot & Frank (Jack Schreirer, Estado Unidos)
En una edición (y el mismo día) en la que se homenajea E.T. El extraterrestre por su trigésimo cumpleaños, tiene todo el sentido que una de las sorpresas a concurso en el festival haya sido un título que remite a ese cine con el que crecimos, en esta película que nos cuenta la relación entre un enfermo de Alzheimer (un Frank Langhella que recibe muchos elogios por su interpretación) y un robot.

Los personajes son de verdad e incluso el robot alcanza a  emocionar por lo que aparentemente es una especie de empatía inesperada para con su dueño. Ciertamente, subyace una reflexión y una duda casi dickiana en torno a las relaciones humanas, en torno al hecho de que la amistad surge allá donde menos se la espera. Ignasi Juliachs (ScifiWorld)

Una delicia, con un Frank Langella para las antologías interpretativas. Carlos Pumares (Hoy Cinema)