Yo no vi la película hace 25 años, pero sí unos 20, en su lanzamiento en vídeo. Hay muchas películas de John Carpenter que he revisitado con cierta frecuencia: La cosa, Halloween, La niebla o 1997 Rescate en Nueva York. Y generalmente no dejo pasar más de un año entero sin disfrutar otra vez de Golpe en la pequeña China (¡la próxima toca en bluray!). Y, sin embargo, El príncipe de las tinieblas no había dejado en mí una impresión suficientemente buena como para volver a ella con la persistencia de la que uno es capaz con las películas fetiche de la adolescencia.

Con quince años, a principios de los noventa, el cine de terror era para mí una cosa muy seria. Y El príncipe de las tinieblas es muchas cosas, pero seria no es. Con una primera parte plagada de discursos pseudocientíficos, puestos en boca ni más ni menos que del singular Victor Wong (en una eleccón de casting cuanto menos osada) son alucinantes, incomprensibles pero alucinantes. El científico es reclutado por Donald Pleasance en el papel de un sacerdote que se encuentra ante el reto de contener el mal absoluto, representado por un recipiente de líquido verde situado en el sótano de una iglesia.

Lo cierto es que, a pesar de lo que se nos quiere hacer creer durante toda la película, el argumento poco importa, porque lo único que cuenta es encerrar en la iglesia durante una noche a una decena de personas, expuestas a un elemento maligno que les va poseyendo (esto podría ser la descripción de muchas películas de Carpenter) a través de un chorro de líquido por el que el mal se va contagiando de unos a otros y van recibiendo muertes cada cual más pintoresca.

Quizás, contado en este tono, pueda parecer una película de la que mantenerse lo más alejado posible, por muy Carpenter que sea. Y eso es lo que mi yo de quince años, ese que se tomaba el terror muy en serio, pensaba. Mi yo de 35, ese ya no está para tonterías. O, mejor dicho, si las tonterías son como las de El príncipe de las tinieblas, sí está para ellas. Absolutamente cada elemento de la película que odié esa primera vez, ahora me parece exquisito. Desde el bigote de Jameson Parker, los diálogos imposibles y la jerga pseudo-científico-religiosa, hasta el sueño/transmisión alienígena. La parte central de la película, en la que las muertes de los miembros del equipo de investigadores se van sucediendo, además de ocurrir en muy poco tiempo, compiten entre sí por ver cuál es más chocante. Todo esto, aderezado por un ejército de sin techo, “liderados” por Alice Cooper,

Lo más curioso, aunque pueda parecer lo contrario, es que la película “funciona” como película de terror. El ritmo de la película es preciso, la fotografía es fantástica (a pesar de que los materiales usados en el DVD no son ni mucho menos los mejores), y los efectos especiales, sin ser muy numerosos, son tremendamente efectivos, como en la escena del mensaje de XXXXX o el propio contenedor de líquido verde satánica .

Premios Jurado Sección Oficial Fantástico Competición (Judith Colell, Denise Crosby, Lamberto Bava, Nacho Cerdà y William Lustig)

Mejor película fantástica en competición:
Holy Motors, de Léos Carax

Premio especial del jurado:
Chained, de Jennifer Lynch

Mejor dirección:
Holy Motors, de Léos Carax

Mejor Interpretación
Sightseers, a Alice Lowe
Chained, a Vincent D’Onofrio

Mejor guión:
Sightseers, d’Amy Jump, Alice Lowe i Steve Oram

Mejores efectos especiales:
The Viral Factor, de Yee Kwok-leung, Garrett Lam, Ho Kwan-yeung

Mejor fotografía:
Headshot, de Chankit Chamnivikaipong

Premio del público
Robot & Frank, de Jake Schreier

Premios Jurado de la crítica (Eulàlia Iglesias, Beatriz Martínez y Juan Manuel Freire)

Premio José Luis Guarner:
Holy Motors, de Léos Carax

Mención especial del jurado de la Crítica:
Berberian Sound Studio, de Peter Strickland

Premio Citizen Kane al mejor director novel:
Antiviral, de Brandon Cronenberg

Premios Jurado Sección Noves Visions (Julian Richards, Jaume Ripoll y Carlos Vermu)

Premio Noves Visions:
Rebelle, de Kim Nguyen

Premio “No-Ficció”:
Me @ the Zoo, de Chris Moukarbel, Valerie Veatch

Premio Petit Format:
Crazy & Thief, de Cory McAbee

Premios Jurado de la Secció Casa Asia – Anima’t (Frédéric Ambroisine, Ricardo Reparaz y Eduard Terrades)

A la mejor película de la Sección Casa Àsia:
Dragon (Wu Xia), de Peter Ho-sun Chan

A la mejor película de animación:
Okami kodomo no ame to yuki (Wolf Children), de Mamoru Hosoda

Al mejor cortometraje de animación:
Fuga, de Juan Antonio Espigares

Premios Jurado Méliès d’Argent (Blai Morell, Garrick Dion y Shelagh Rowan-Legg)

Al largometraje de la Sección Oficial Europea Fantástica en Competición:
Holy Motors, de Léos Carax

Al cortometraje de la Sección Oficial Europea Fantástica en Competición:
Eat, de Moritz Krämer

Al largometraje de la Sección Oficial Fantàstic Panorama en Competición
Tower Block, de James Nunn, Ronnie Thompson

Al cortometraje de la Sección Oficial Fantàstic Panorama en Competición:
Elefante, de Pablo Larcuen

Premios jurado de la Secció Brigadoon (Denise Castro, Celia Novis y Sergi Vizcaíno)

Premio Brigadoon – Paul Naschy al mejor cortometraje Brigadoon:
Zona de caza, de Jordi O. Romero

Mención especial al cortometraje La Cruz, dirigido por Alberto Evangelio, por su capacidad para llevar el terror doméstico al límite.

Premios Carnet Jove (Sandra Astor (presidenta), Meritxell Meya, Jaime A. Herrera, Joan Ruiz y Hèctor Prats)

Premio Jurado Carnet Jove a la mejor película oficial Fantàstic Competición:
Antiviral, de Brandon Cronenberg

Mejor película de la Sección Midnight X-Treme:
Stitches, de Conor McMahon

Premios jurado SGAE – Nova Autoria (Inés París, Sílvia Munt y Arnau Bataller)

Mejor dirección:
Carles Harillo Magnet, por El mal menor, presentado pel CECC

Mejor guión:
Carles Harillo Magnet, por El mal menor, presentado pel CECC

Mejor música original:
Gonzalo Perales, compositor de la banda sonora de Big red sour apple, presentado per l’ECIB

Menciones especiales a:
Stephan Hofmann, por El crimen desorganizado, presentado por la esucela Bande à Part
Javier Sanz y Gisela Remolins, por Desvísteme, presentado por l’ESCAC
Fran Ramírez, por 1H92, presentado por la Universitat Rovira i Virgili

El bosc (Oscar Aibar, España)
Con un poco de suerte, esta película no correrá la misma suerte que otras películas españolas vistas en el festival en los últimos años y podremos verla en cines. La película ha gustado, y eso siempre es un buen síntoma de cara a su difusión posterior.

Muy valiente y con unos ingredientes que nada tienen que ver con los habituales en estos potajes tan trillados Kiko Vega (@kikovegar)

El Bosc es menos vistosa que El laberinto del fauno, pero mejor película¹ @GerardFossas

Descomcertante, temeraria y nada complaciente, “El bosc” no toma solo “La guerra de los mundos” como referencia puntual, sino como clave Noel Ceballos (@NoelBurgundy)

Sinister (Scott Derrickson, Estados Unidos)
Perjudicada por un hype demasiado elevado, Sinister parece haber decepcionado a más de uno, pero me quedo con esta frase que define bastante bien esta época de postmodernismo y metaficciones varias:

Guste mas o menos, que no mata, Sinister es la primera peli de terror del Festival. Que yo haya visto. Louis Cyphre (@xfar1)

Hotel Transylvania (Genndy Tartakovsky, Estados Unidos)
Genndy Tartakovsky es un genio. Eso que quede claro. Quizá el más personal de los animadores descubiertos por Fred Seibert en What a Cartoon, sigue luchando por sacar adelante su proyecto de largometraje de Samurai Jack, y este Hotel Transylvania 3D (proyecto al que se incorporó ya avanzada la producción) responde principalmente a que forma parte de un acuerdo que le permitiría desarrollar sus propios proyectos. Quizá eso explique el resultado:

“Hotel Transylvania” tiene una secuencia interesantísima y mucha sabiduría animada, pero tantas concesiones… Noel Ceballos (@NoelBurgundy)

The ABCs of Death (Varios, Estados Unidos)
En este nuevo auge de las películas antología (u omnibus como las llaman algunos), lo que propone The ABCs of Death es llegar al extremo. 26 directores cada uno de su padre y de su madre, cada uno con su cortometraje, componen esta película de auténtica locura:

Hay cosas muy muy chulas en The ABCs of death y otras no tan chulas, pero no da tiempo de llegar a odiar ninguna. Kiko Vega (@kikovegar)

The Tall Man (Pascal Laugier, Estados Unidos)
Pensar que Pascal Laugier podría repetir con su última película (El hombre de las sombras se llamará en España cuando se estrene en diciembre) la pequeña revolución que supuso su película anterior, Martyrs, era pecar de optimistas. Así que las decepciones abundan:

No está en la senda de Martyrs (…). Una pena. Intenta jugar con los mecanismos del terror pero no llega. Borja Crespo (@ElTioCreespy)

frustra su inquietante premisa y perverso mensaje antisocial con un ritmo y unas imágenes demasiado complacientes (@johntones)

Bastante más tibio en forma que su anterior film, pero más maduro en sus conclusiones, sin dejar de acudir a un cierto populismo. Nicolás Ruiz (Cineuá)

Grabbers (Jon Wright, Reino Unido)
A otro nivel, Grabbers también decepciona. Lo hace porque en su condición de cine gamberro

Tremors + Gremlins + The Blob + Yo me compré una moto vampiro, pero no mola tanto cono podría esperarse de esa ecuación (@bolginferno)

El mismo John Tones desarrolla después esta opinión.

Le falta (…) algo de brío y originalidad que levante la extraordinaria premisa, que mueve la segunda mitad del film. John Tones (Inferno)

La gracia le dura 10 minutos, el interés 6 o 7. @AlejandroGCalvo

Antiviral (Brandon Cronenberg, Estados Unidos)
Que Brandon Cronenberg haya elegido un tema muy del gusto de su padre (al menos de su gusto en los 80 y principios de los 90) para su debut, no parece ayudarle a encontrar su puesto en el mundo del fantástico.

Brandon Cronenberg necesita encontrar una identidad, pero por ahora copia bien los primeros trabajos de papa @pacosilva92

Parece que en Antiviral quiera dejar constancia de que es digno hijo de su padre @BatrizMartnezG

Hay quien quiere ver más allá del apellido y tiene en alta consideración de la película.

Antiviral tiene una premisa alucinante y es enferma, obscena, perversa y agónica. No me puede gustar más. @DesireedeFez

Buenas ideas en un desarrollo alargado innecesariamente @AlejandroGCalvo

Wrong (Quentin Dupieux, Francia)
Que Dupieux es un provocador no lo duda nadie. Capaz de realizar una película centrada en un neumático asesino (Rubber), con este segundo cortometraje

Para empezar una frase que, según quién la lea, es un halago o una crítica:

Como un capítulo de Museo Coconut dirigido por Richard Kelly Julián García (El Periódico)

Las opiniones sobre la película son variadas, aunque tienden a la decepción. Lo que sí que le reconocen es un humor personal que no es plato de gusto de todo el mundo, pero que quienes lo saben apreciar lo disfrutan enormemente.

Es más madura que Rubber, pero la sorpresa se ha diluido y el artefacto ya no da más de sí. Gerard A. Cassadó (@Gerard_ACassado)

Gran comedia surrealista al nivel de Rubber. Quentin Dupieux sabe hace reír al personal. @fernandopolanco

Cosmopolis (David Cronenberg, Estados Unidos)
Entre los muchos valores de David Cronenberg está el que ningún director ha tenido o tendrá jamás el valor de adaptar a tantos autores literarios difíciles. Adaptó a William S. Burroughs (El almuerzo desnudo), a J. G. Ballard (Crash), y ahora se atreve con Don DeLillo, en una de sus obras más complejas. El resultado, obviamente, no es apto para todos los públicos, pero cala entre aquellos que sí se encuentran a gusto en ese cruce de caminos entre lo cronenbergiano y lo delillano.

Un descenso a los infiernos que (…) traza curiosos puentes conceptuales con películas del canadiense que parecen distantes, como Videodrome. (…) Es uno de los retratos morales más desoladores de los últimos años. John Tones (Inferno)

Metáfora suicida de personalidad múltiple, Cosmopolis es fascinante, irritante, pertinente, pedante, glacial y sexual. Xamfargo

Berberian Sound Studio (Peter Strickland, Reino Unido)
Cuando Jordi Costa comenzó a dedicar grandes elogios a esta película en su cuenta de Twitter, poco iba a penar en el encendido debate que se provocaría un mes después entre defensores y detractores de la película tras su proyección en el festival.

Onírica, sugerente, espectral, experimental, bella, vampírica, compleja, sensorial, innovadora, brillante, atípica, rompedora, sui generis, metafílmica, claustrofóbica, reveladora, extraña, avanzada, visionaria, atípica, imprevisible, arriesgada. Todas la definen, para lo bueno y para lo malo. Xavi Pujol (vía Facebook)

Es una de las metaficciones más interesantes del año gracias a su valentía expositiva y a su absoluta renuncia a las concesiones con el espectador.  John Tones (Inferno)

Dracula 3D (Dario Argento, Italia-España)
Mayor unanimidad se produce al hablar de la última película de Dario Argento. Producida por Enrique Cerezo y rodada en 3D, las imágenes que habían podido verse hasta ahora mostraba un producto subestándar al menos a nivel visual. Por lo visto, no es esa su única carencia:

Sólo la agradecida presencia de Rutger Hauer, lo abismal de los FX y algún destete ocasional animan una cinta nacida (imagino) para que Enrique Cerezo pueda blanquear dinero negro. Xamfargo

Es un horror infratecnológico con tantas tetas, sangre, bichos y comedia involuntaria que hacen imposible odiarla @johntones

Chained (Jennifer Lynch, Estados Unidos)
También era el turno para Jennifer Lynch, que ha dejado a casi todo el mundo desencantado:

Aunque consigue mantener el interés durante todo el metraje y cuenta con un entregado Vincent D’Onofrio, uno no puede evitar pensar que la cosa podría haber dado mucho más juego. Xamfargo

Empieza siendo un psychothhriller y termina como un psicodrama familiar que no hay por donde cogerlo Beatriz Martínez (@BeatrizMartnezG)

No termina de levantar el vuelo por culpa de un desarrollo anodino, un tirar de melodrama barato con demasiada facilidad y un giro final absolutamente innecesario y lamentable. John Tones (Inferno)

Lords Of Salem (Rob Zombie, Estados Unidos)
Rob Zombie, quemadas sus etapas revivalistas del cine de terror redneck y del slasher, da un salto y pasa a homenajear la exploitation de brujas y cultos satánicos. En una edición que dedica una retrospectiva al cine de culto¹, todo tiene bastante sentido. 

El bueno de Rob Zombie trata de ser Polanski, Lynch y Jodorowsky, y la cosa le sale bastante rana. Xamfargo

El Rob Zombie guionista olvida las reglas básicas para que una historia funcione y se deja llevar por su yo esteta y videoclipero. (…) Hay tantos detalles que evidencian la pereza en el trabajo del libreto que uno se pasa la proyección indignado. Fernando Polanco (Las horas perdidas)

El director ha querido acercarse a alguien como Ti West, es decir, mirar hacia cierto terror de los 70 y 80 de crescendo lento, pero en Zombie lo taciturno puede ser tedioso. Que se deje de lo psíquico, piden algunos, y vuelva a lo físico. Juan Manuel Freire (El Periódico)

Pero la película también cuenta con defensores, entre ellos el propio Ángel Sala, director del festival, que la une con otro de los títulos más representativos de esta edición:

Cabin In The Woods es el punto final de la ola referencial del horror . Lords of Salem es el principio de algo alucinante. @aangelsala

Entendemos perfectamente que la última película de Zombie no haya recibido la aceptación unánime del público de Sitges, (…) es lineal, no tiene progresión dramática, es simple e impactante. Pero nos ha cautivado la forma de Zombie de hurgar en nuestro cerebro en busca de imágenes primigenias, de horror ancestral, inexplicablemente inquietantes (…), sin molestarse en hacer ninguna concesión a la narración tradicional tal y como la entendemos. (…) es una película genuínamente blasfema, conscientemente satánica, y por eso no se le puede pedir que guste a todo el mundo. Pero quien caiga en sus redes verá cómo sus pesadillas se derriten para convertirse en algo mucho más escalofriante. John Tones (Inferno)

Perturbadora. Satánica y necesaria. Un delirio pop plagado de referencias para cinéfagos sin prejuicios. Oscura. Libre. Borja Crespo (@ElTioCreespy)

Sightseers
La nueva película del director de Kill List, película presentada en el festival en 2011, ha dado una gran sorpresa.

Una comedia negra estupenda, muy británica, llena de guiños al horror y al suspense, y que utiliza a unos personajes despiadados y grotescos para hablar de los pavores cotidianos John Tones (Inferno)

Está repleta de diálogos ácidos, situaciones ridículas y tronchantes y, más que otra cosa, asesinatos (con una violencia caricaturesca y muy graciosa) Fernando Polanco (Las horas perdidas)

Un divertimento que encajaría a la perfección en una sesión doble con Asesinos natos. Alejandro G. Calvo (Sensacine)

Safety Not Guaranteed
Esta comedia romántica independiente (o sci-lo-fi, como la llama Gerard Cassadó) justifica su presencia en el festival por una premisa que tiene que ver con viajes en el tiempo. Y ha conseguido algo que parece imposible, conseguir que una comedia romántica gane el favor de un público formado por aficionados al fantástico.

Se degusta como una comedia indie agradable. Entonces llega el final y ves que es muchísimo más que eso @DesireedeFez

ParaNorman (Chris Butler, Sam Fell, Estados Unidos)
Seguramente yo sea de los pocos que esperaban ParaNorman (El alucinante mundo de Norman será su título en España) con ansia, pero es que, fan confeso desde hace mucho tiempo de Heidi Smith, la ilustradora responsable de diseñar a los personajes, para mí esta no era solo una película de los creadores de Coraline. Por lo que veo, la película no defrauda:

Una de las mejores producciones rodadas a golpe de stop-motion que hemos visto en mucho tiempo, y que demuestra que una película para todos los públicos puede empezar con un pie pisando un cerebro, y hablar de la muerte y la culpa sin ningún problema… y sin dejar de ser desternillante. John Tones (Inferno)

Película soñada de halloween, carta de amor al cine de terror y alucinante BSO de Jon Brion. Una absoluta delicia. @XaviSanchez

Es la película que Tim Burton no ha hecho en una década. Juan Manuel Freire (@freirejuanma)

Para algunos, es incluso más que todo eso:

Une en su plástica lo mejor del 3D, la animación de muñecos y el cartoon. Y una historia maravillosa. Obra maestra. Jordi Sánchez-Navarro (@jordisn)

Cabin In The Woods (Drew Goddard, Estados Unidos)
Y si ParaNorman ha gustado, Cabin In The Woods está arrasando y pocos son los que le ponen pegas:

Un divertimento inteligente, afilado y descacharrante que acaba funcionando como una caja de sorpresas continuas . Alejandro G. Calvo (Sensacine)

Cine de terror espectáculo, reflexión erudita sobre el género, chascarrillos y un fumeta. OBRA MAESTRA. @XaviSanchez

Superficialmente es fascinante, pero si se rasca un mínimo, hay una matemática y una genialidad que convierten a Cabin in the Woods en una película de culto garantizado en cero coma. John Tones (Inferno)

Robot & Frank (Jack Schreirer, Estado Unidos)
En una edición (y el mismo día) en la que se homenajea E.T. El extraterrestre por su trigésimo cumpleaños, tiene todo el sentido que una de las sorpresas a concurso en el festival haya sido un título que remite a ese cine con el que crecimos, en esta película que nos cuenta la relación entre un enfermo de Alzheimer (un Frank Langhella que recibe muchos elogios por su interpretación) y un robot.

Los personajes son de verdad e incluso el robot alcanza a  emocionar por lo que aparentemente es una especie de empatía inesperada para con su dueño. Ciertamente, subyace una reflexión y una duda casi dickiana en torno a las relaciones humanas, en torno al hecho de que la amistad surge allá donde menos se la espera. Ignasi Juliachs (ScifiWorld)

Una delicia, con un Frank Langella para las antologías interpretativas. Carlos Pumares (Hoy Cinema)

Maniac (Franck Khalfoun, Estados Unidos)

Esperado remake de la película del añorado (no porque se haya muerto, sino porque lleva siglos sin dirigir) William Lustig, este homenaje al slasher más puramente ochenta ha convencido en el Festival.

es la película del festival, sobre todo por la manera con la que conectó con el público. Fernando Polanco (Las horas perdidas)

mucho más inquietante y enfermiza que la del film original. La película es muy gore, muy sucia, muy enferma, muy entretenida, muy bien rodada y supera a la cinta original David Amorós (Lost Highway Blog)

Un slasher como los de antes, con reminiscencias a las películas de género de los 80 pero rodada en clave actual BCNDays (Después de 1984)

Curioso como estas vampirizaciones/remakes/homenajes al cine exploit traspasan el ámbito del público fan del terror y van un paso más allá:

una cinta que traspasa el más allá del slasher para convertir en arte y ensayo el proceso de arranque de cabelleras Carlos Marín (Aullidos)

me fascina su mezcla de delirio arty y película sórdida de psicópatas @DesireedeFez

El trabajo de este protegido de Alexandre Aja, que junto a su inseparable Grégory Levasseur firma el guión, convence a todos los niveles:

Deliciosamente indefinida en su ambientación y estética, absolutamente amoral como lo era su precedente, este nuevo Maniac podría figurar en los manuales como un remake perfecto: uno que no solo reformula y potencia las virtudes de su predecesor, sino que además explica y disecciona por qué aquel se ha convertido en un clásico. John Tones (Inferno)

Aftershock (Nicolás López, Estados Unidos)
Muchos menos entusiasmos ha generado la película del chileno Nicolás López:

Intenta ser graciosa, original y emotiva. Y no consigue absolutamente nada de eso. Es un enorme despropósito. Xavier Arnaiz (@Crispaffected)

Esta película de catástrofes (siguiendo con el tema del festival este año), protagonizada y producida por Eli Roth, fracasa en todos los aspectos.

Da unos bandazos de tono y concepto a lo largo de todo su metraje que la convierten en la película más floja que hemos visto este año hasta el momento John Tones (Inferno)

Otros prefieren buscar el lado bueno:

Teniendo en cuenta que la anterior peli del director es Santos, esta es un paso adelante. Xamfargo

Holy Motors (Leos Carax, Francia)
El retorno de Leos Carax, que causó una gran polarización en Cannes, se enfrentaba a un público seguramente más predispuesto a aceptar su propuesta. Y parece que así ha sido.

Mi primera reacción al salir del cine fue escribir un tuit explicando que las imágenes que había visto era un completo orgasmo para el alma del ser humano. @israelser (Asiaffinity)

Imprescindible para todo amante del séptimo arte como tal. (…) Antológica obra de culto desde ya. Joan Sala (Filmin)

Su uso del humor y su carácter metacinematográfico han impresionado a más de uno.

Carax y (el actor Denis) Lavant dinamitan el cine de arte y ensayo apostando por una vena festiva y por el humor marciano.  @XaviSanchez

Es maravillosa: un emocionante homenaje al cine en estado puro. Beatriz Martínez (@BeatrizMartnezG)

El efecto parece mantenerse con el tiempo:

Sigo dándole vueltas a Holy Motors, en lo emocionante que es ver en cómo se abre en canal Carax para mostrarnos fragmentos de su vida. Beatriz Martínez (@BeatrizMartnezG)

Alejandro G. Calvo es igual de entusiasta con la película, a la que define como

una orgía de imágenes, símbolos y aullidos que redefinen la historia del cine y, de paso, siembra la semilla de lo que debería ser el cine del futuro.  Alejandro G. Calvo

John Dies At The End (Don Coscarelli, Estados Unidos)
El director de Phantasma, El señor de las bestias y Bubba Ho-Tep presentaba en Sitges su primera película en diez años (si no contamos su capítulo para la serie Masters Of Horror), John Dies At The End. Basada en la novela de Jason Pargin, escrita bajo el pseudónimo David Wong¹, la película ha gustado al sector más hardcore de los aficionados (Fausto Fernández, John Tones), o a Xamfargo:

Coscarelli se saca de la manga un clásico instantáneo, alucinógeno e imprevisible. Xamfargo

pero no al resto.

La proyección de John dies at the end tuvo ayer un poco de frustrante anticlímax. (…) la película de Don Coscarelli (…) cruza delirio psicotrópico a lo Hunter S. Thompson, despliegue monstruoso y humor memo con eficacia solo moderada. Juan Manuel Freire

A pesar de ocasionales golpes de ingenio tanto humorísticos como visuales, se [queda] en un producto demasiado Serie Z y sobrevitaminado con un aluvión de ideas delirantes que nunca acaban de consolidar un todo homogéneo. Ángel Luis Sucasas Fernández (scifiworld.es)

¿Imagináis como debe sentirse un aficionado al cine deambulando por Sitges estos días sin poder ver ninguna película del festival? Seguro que cazaría cientos de conversaciones, frases al azar, opiniones favorables, desfavorables, comentarios sarcásticos (ya sabéis como somos los aficionados) y, más o menos, podría hacerse una imagen mental del desarrollo del festival. Pues algo parecido me ocurre a mí. No poder estar en el festival no me va a privar del placer de contaros lo que allí está ocurriendo, y lo haré a través de las voces de los que están allí, críticos y aficionados que, en sus periódicos, webs, blogs y redes sociales, están opinando sobre lo que ven en el festival.

El cuerpo (Oriol Paulo, España)
Como viene siendo habitual en los últimos años, la película elegida para abrir el festival ha sido una producción española. Beneficiados por el auge del thriller nacional y del surgimiento de un star system propio gracias a las series de televisión (presentando la película estaban Belén Rueda, José Coronado, Hugo Silva y Aura Garrido), esta es una buena manera de generar repercusión mediática con productos de gran aceptación popular. La estrategia parece perfecta, excepto cuando el producto no acompaña.

Probablemente la peor inauguración en Sitges desde Cámara Oscura [Sitges 2003] @AlejandroGCalvo

¿Los motivos?

Una realización errónea, planos impersonales, montaje desconcertante… lo cierto es que nada parece funcionar en un film que parece querer llegar a la quinta marcha saltándose, sin suerte, las cuatro anteriores Carlos Giacomelli

Borja Crespo añade más pistas del descalabro:

EL CUERPO no conoce la elipsis [y hace] apología EXTREMA del flash-back. Es de esas pelis que presuponen que el espectador es un RETARDED…  Borja Crespo (@ElTioCreespy)

Para muchos, el trabajo de interpretación supone otro gran punto en contra de El cuerpo:

Dirección de actores pésima (no había quien se creyera nada) y todo tópicos mal juntados Adriana Izquierdo (@Adriii)

[Tiene ]unos actores que están desastrosamente dirigidos Alx (@Alx_zero)

No hay suspense alguno, los actores no están nada creíbles y el final resulta un poco de chiste Sr. Cine

Aunque también hubo a quien la película de Oriol Paulo contentó:

Un thriller con bastantes tópicos y giro final que aunque esperado acaba siendo resultón @Fantascine

Aunque El cuerpo sea algo pretenciosa y tramposa… Funciona Armando Pérez (@Armando_PD)

Nameless Gangster: Rules Of The Time (Jong-Bin Yun, Corea)
Esta película coreana era la primera de las grandes esperadas a competición. Una historia de gangsters con unas grandes influencias.

La respuesta tardía de Corea del Sur a GoodfellasJuan Mauel Freire (@freirejuanma)

Aparte de Scorsese, Nameless Gangster tiene bastante del Wise Guys depalmiano, y mucho más de Los secretos de la Cosa Nostra… Fausto Fernández (@faustianovich)

Sin duda, que tenga menos de thriller que de crónica mafiosa.

es una película sobre la familia, la ramificada y gran familia coreana como alma y sustento del crimen y la corrupción generalizada Sr. Ausente

La película es un éxito, sobre todo para los entendidos del cine surcoreano.

Técnicamente la película es excepcional, ya no solo en cuanto a la elegante y vibrante dirección de Yoon Jong Bin (quien hace unos años nos sorprendió con “Beastie Boys”), sino también por la impecable fotografía, y la inmejorable puesta en escena y ambientación de la época con los decorados, vestuario, o la banda sonora que nos transporta a la Corea de esa época. Patricia Obiol (El Pozo de Sadako)

Para otros, su duración y sus aspectos cómicos suponen un lastre:

[El] humor, muy presente en el film, y que, aunque funciona, da la sensación de lastrar una película demasiado larga. Paco Silva (Cinéfagos)

Room 237 (Rodney Archer, Estados Unidos)
Curiosamente, una de las películas más esperadas del festival no es una obra de ficción sino un documental, aunque su tema no podría ser más cinematográfico, ni más al gusto de este festival: la película de Stanley Kubrick El resplandor.

No es solo un análisis de la famosa película de Kubrick,  también es un documento fascinante que muestra hasta donde puede llegar el fenómeno fan BCNDays (Después de 1984)

[Un] viaje alucinante a la mente de los chalados por Stanley Kubrick y, en concreto, El resplandor, de la que pueden extraer toda clase de magníficas, ampulosas teorías. Sus delirios superan a la ficción. Juan Manuel Freire (El periódico)

Llena de interpretaciones y lecturas a cual más loca y alucinante de El resplandor Desirée de Fez (@DesireedeFez)

Fenómeno fan, teorías conspiranoicas y cine de terror parecen una combinación perfecta.

No trata de buscar explicaciones, ni desencriptar el complejo artístico de Kubrick; aquí se parte de la esquizofrénica puesta en escena de un genio para indagar sobre la paranoia, la obsesión y la transformación de la realidad a través de los ojos, sea de quien sea. Carlos Marín (Aullidos)

Para algunos, este ejercicio produce un curioso efecto retroactivo sobre el film que inspira a este documental:

ejercicio de freakismo fascinante que convierte definitivamente ‘El resplandor’ en una obra maestra. Avi Cirera (@AviCirera)

Aunque otros no terminan de encontrarle chicha al asunto, como Alejandro G. Calvo que la considera

divertida aunque (…) intrascendente Alejandro G. Calvo (Sensacine)

For Love’s Sake (Takashi Miike, Japón) 
Las opiniones sobre la última película de uno de los directores más queridos por el público de Sitges en los últimos años son dispares, aunque tienden a la decepción. No es el caso de Xavi Sánchez.

comedia teen musical muy cachonda con las habituales salidas de tono de Miike. Entretenida y hortera @XaviSanchez

Otros no tienen tan claro ni siquiera a qué género adscribir la última película del japonés:

No se sabe muy bien si es comedia,musical,drama o todo junto @javielfresco

En cuanto a la valoración, parece que no ha terminado de entusiasmar.

Ayer también pudieron verse American Mary (“una sorprendente película con mucho humor negro y momentos bastante impactantes” trickorzine.com), Doomsday Book (“tres historias de ci-fi mística. La mejor, un robot budista. Las otras dos simpáticas, pero intrascendentes”, @Henrique_Lage) , Horror Stories (“simpático film de terror coreano dividido en varios episodios. El mejor: el de la cenicienta y el cirujano”, @XaviSanchez) y The Taste of Money (“prolongación de The housemaid, gana cuando se quiebra y se ríe de sí misma”, @cinedivergente).

La lista la encabeza Vertigo, de Alfred Hitchcock, que arrebata así el trono que Ciudadano Kane ocupaba desde 1962. Aquí surge la primera duda, ¿consideramos Vertigo como fantástico? Supongo que estaría sujeto a debate, pero partiendo de que los temas de la película son el miedo, los fantasmas y la locura, para mí eso es un sí absoluto. Hitchcock construye un relato donde la realidad y lo imaginado, se mezclan con un miedo irracional y primario. Y no nos engañemos, que el título español de la película sea De entre los muertos, ayuda a clasificarla.

A pesar de la escasez de títulos de género en la lista, el sexto puesto lo ocupa una película de ciencia ficción, 2001: Una odisea del espacio, de Stanley Kubrick, director que vuelve a aparecer en el puesto 154 con El resplandor.  Para encontrar otra película de género fantástico tenemos que irnos al puesto 28, en el que encontramos el piloto de televisión reconvertido en delirante descenso al abismo Mulholland Drive. David Lynch consigue colocar tres películas entre las 250; además de la ya citada, están Terciopelo azul en el puesto 69 y Cabeza borradora en el 183.

La primera película incontestablemente enmarcable dentro del terror llega en la posición número 34 con Psicosis. Un par de puestos más abajo, en el 36, está Metrópolis, la inmensa obra futurista de Fritz Lang escrita por su mujer, Thea Von Harbou. En el puesto 53 tenemos otro gran hito de la pareja, el debut de Fritz Lang en el cine sonoro con M, el vampiro de Düseldorf, referente indiscutible para todo el género de asesinos en serie. Tiene sentido que, tras Psicosis y M, la tercera película protagonizada por un psycho-killer (el reverendo Harry Powell interpretado por Robert Mitchum) es La noche del cazador, la inquietante película de Charles Laughton, que encuentra su posición en el número 63 de la lista. Antes, en el número 50 está La Jetée, la fotonovela de Chris Marker sobre viajes en el tiempo y la memoria que se desarrolla en un París postapocalíptico. Y otro futuro, el de Blade Runner, ocupa el 69, empatado con la ya mencionada Terciopelo azul. La otra película futurista que aparece en la lista no podría ser más diferente de las otras dos. Se trata de Wall·E, la obra de animación dirigida por Andrew Stanton.

El primer monstruo en aparecer en la lista (con permiso de Norman Bates, Harry Powell y Frank Booth), lo hace en el puesto 117 y es Nosferatu. Si la película de F. W. Murnau se basa en la novela de Bram Stoker Drácula, la otra historia de vampiros que aparece en la lista se basa en los relatos de Sheridan LeFanu, sobre los que Carl Theodor Dreyer construyó su Vampyr, película que con el paso de los años está cada vez mejor considerada por los críticos y que alcanza el puesto 154 de la lista. Empatada en el mismo puesto tenemos una película de monstruos sin monstruos, Caché, de Michael Haneke.

También empatada en esa misma posición se encuentra Solaris de Andrei Tarkovsky, obra de ciencia ficción que tiene más que ver con 2001 que con los siguientes ejemplos de ciencia ficción que aparecen en la lista: La guerra de las galaxias y el Viaje a la Luna de Georges Mélies, ambas en el puesto 171. En ese mismo lugar de la lista se encuentra King Kong, el legendario gorila gigante que lucha por sobrevivir a la gran ciudad, algo parecido a lo que le ocurre a E.T. (en el puesto 183). Cosas de las listas confeccionadas sumando número de votos de diferentes críticos, el amable extraterrestre comparte posición con La matanza de Texas, la película de 1973 de Tobe Hopper que marcó un giro en la historia del cine de terror al ser la obra responsable de sacar las películas sangrientas del gueto de los cines de explotación y acabar convirtiendo el splatter en un género popular.

En el puesto 202 tenemos por una parte Videodrome, una de las películas más definitorias de la carrera de David Cronenberg dedicada al cine fantástico y la fantasía tradicionalista y ecologista de El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki. En el puesto 235 (la lista se queda en ese número debido a los múltiples empates en los últimos puestos) otro Kubrick, la adaptación de La naranja mecánica que a pesar del paso de los años, sigue acumulando admiradores y otro Lang, El testamento del Doctor Mabuse, combinación de inquietante expresionismo y delirio pulp que forma la parte central de la trilogía dedicada a ese genio diabólico.

El balance es positivo, al menos en cuanto a cantidad. 26 películas entre 250 es una cifra considerable. Hay diversisad de géneros, estilos y épocas. Sí es importante señalar que casi siempre que aparece algún título de corte fantástico, está vinculado a algún gran nombre aceptado por el canon (donde ya ha entrado Chris Marker, sobre todo tras su muerte este mismo año): Hitchcock, Lynch, Lang, Kubrick, Dreyer, Murnau,…

Sí es importante hablar de las ausencias, tan importantes como las preencias. Algunas son en mi opinión extremadamente significativas, más todavía si vemos el número de críticos que las han votado. La lista se corta con las películas que reciben siete votos, así que acompañaré los títulos del número de críticos que la han votado².

Sin duda, la ausencia más remarcable es la de la película que marca el inicio del cine de terror moderno: La noche de los muertos vivientes. Tan solo tres críticos la han considerado en su lista de diez títulos. Ni siquiera su secuela, Zombi, a pesar de contar con el apoyo de cinco críticos, consigue acercarse a la lista. Tampoco Dario Argento consigue colocar ninguna película en la lista, con Suspiria como mejor posicionada con tres votos, aunque sorprende que Rojo Oscuro solo consiga el apoyo de una crítico.  Pero si hablamos de hitos, poco se puede rebatir de la importancia de El exorcista, que aún así solo ha conseguido dos votos. Algo más cerca sitúa Roman Polanski La semilla del diablo, que solo se queda a un voto de entrar en la lista.

Ni siquiera una obra de corte más clásico como Suspense, de Jack Clayton, consigue superar tres votos. Tampoco tiene mejor suerte Jacques Tourneur. Yo anduve con un zombie y La noche del demonio tienen dos votos, y La mujer pantera solo uno. Si las películas de Tourneur parecen haber perdido el favor de la crítica, Ojos sin rostro de Georges Franju, es una película que cada vez más autores están reivindicando, y consigue cinco votos. La invasión de los ultracuerpos, en ninguna de sus versiones, no cuenta,  incomprensiblemente (excepto en el caso de la de Abel Ferrara, donde sí es comprensible) con un solo voto. Tampoco John Carpenter consigue entrar, y solo consigue cuatro votos con La cosa. La niebla y Están vivos solo cosechan un punto cada una. Aunque David Cronenberg sí tiene Videodrome en la lista, la muy superior Inseparables solo consigue cinco votos y no alcanza a la lista oficial.

Parece que la brecha entre cine fantástico y la parte de la crítica más tradicional continúa existiendo, a pesar de la inclusión de un mayor número de críticos en la encuesta y que la media de edad de los votantes ha bajado considerablemente.

Este nuevo trabajo de Alexandre Aja, responsable de la sobrevalorada y aburrida Alta tensión, del espléndido remake Las colinas tienen ojos y de la estupenda Reflejos, vuelve a poner de manifiesto que este joven director es capaz de ofrecer cine fantástico de calidad cargado de sangre, violencia y depravación. Y es que esta pequeña joyita demuestra nuevamente la enorme capacidad de este demente a la hora de recrear secuencias retorcidas, malsanas, crueles, sádicas y no aptas para todos los estómagos.

Piraña 3D no sólo es un título magnífico pensado para los aficionados más sádicos, es también todo un homenaje a las mejores películas de terrores acuáticos y de suspense con bicho. En el film encontramos claras referencias a obras maestras como Tiburón o la original Piraña (incluso a la casposa y sensacional secuela “dirigida” por James Cameron, Piraña 2: Los Vampiros del Mar), destacando la participación de Richard Dreyfuss como Matt Boyd, el mismo personaje de la ya citada y mítica cinta de Spielberg. En este ingenioso remake del clásico de Joe Dante se respira aroma setentero y ochenteno por los cuatro costados y, pese a su modernización, deja una satisfacción enorme dado el esmero de los creadores por ofrecer un producto de calidad que rememore el mejor cine de serie B. Y he aquí la mayor virtud de este experimento, que se trata de una serie B que huele y sabe a B y que además es perfectamente consciente de su condición, ofreciendo enormes cantidades de humor negro negrísimo y, en suma, una parodia constante del género.

Piraña 3D es, sin embargo, una joya no apta para todos los estómagos. Hay momentos tan crudos que da la impresión de que los responsables de la obra se recrean en la violencia más malsana, haciendo que la película vaya dirigida claramente a un público enfermo, en el cual se encuadra un servidor. Y no es que precisamente goce de un guión elaborado, sino más bien todo lo contario. La diferencia con otros productos similares es un acabado más que decente que supone un sano y bestia entretenimiento sangriento, en el que la historia es narrada con brío sin perder un ápice de interés.

A nivel interpretativo he quedado bastante complacido. Quizás el mejor papel lo interprete Jerry O´Connell (Scream 2), quien hace un trabajo sumamente atípico si contemplamos toda su carrera. Elisabeth Shue, bien conservada ella, no hace una labor nada despreciable. Si acaso, me resulta curiosa la participación de la estupenda actriz porno Riley Steele (Teachers, Nurses, Riley Steele Perfect Pet), aunque aquí su trabajo sea más bien plano (no es lo suyo, vaya…). Y, cómo no, no deberíamos olvidarnos de Kelly Brook, bien dotada físicamente pero justita en el campo interpretativo. El resto de actores, entre los que meto a los dos insufribles niños y el jovenzuelo protagonista, se limitan a hacer bulto.

Con total sinceridad, lo peor de la cinta son sus FX, infográficos y postizos pero, a fin de cuentas, muy resultones.

Parece ser que las distribuidoras españolas se resisten a la hora de traernos un producto tan exótico como este y, pese a todo, se trata de un hecho comprensible, en vistas de esa última tendencia de censura preventiva en la que nos vemos inmersos en nuestro país. ¿Debo actuar como un espectador sumiso y no reclamar el estreno de joyas como Halloween II o títulos como À l’interieur, Frontier(s), The Children o Eden Lake, sólo por citar algunas? Pues creo que no.

En fin, Piraña 3D es un excelente remake, obra de un realizador de lo más interesante. Es una película violenta, bestia, cruel y salvaje, a la par que cutre, divertida y estupenda, de visión obligada para el aficionado de pro. Y, qué coño, es serie B de la buena.

The Walking Dead – Edición Sencilla DVD (2 discos)
La edición sencilla incluye los séis capítulos de la primera temporada emitidos en televisión.

The Walking Dead – Edición Coleccionista DVD (3 discos + cómic)
Además de los capítulos, incluye un disco de extras con los siguientes contenidos:

• Making of The Walking Dead
• Dentro de The Walking Dead (Episodios 1 al 6)
• Un adelanto con Robert Kirkman
• Detrás de las escenas: Maquillaje zombie
• Presentación de los productores
• Metraje extra:
  • Escuela Zombie
  • La chica de la bicicleta
  • En el set con Robert Kirkman
  • Colgando con Steven Yeun
  • Dentro del RV de Dale
  • En el set con Andrew Lincoln
• Ficha técnica y artística
• Tráiler y spot de TV
  • Tráiler original AMC (V.O.S.E.)
  • Tráiler FOX

The Walking Dead – Edición Blu-Ray (2 discos)

La edición en el formato de alta definición, incluye, además de todos los contenidos mencionados antes, un montaje alternativo del episodio piloto y el cómic de 48 páginas en formato digital. El sonido de la edición en Blu Ray es Dolby TrueHD 5.1.

Como curiosidad, Avalon ofrece, a todos los fans de la serie, la posibilidad de seguir el día a día de la preparación en la página de Facebook TWDGenesis.

Esta Caperucita no destaca.

Resumen de la actualidad del cine de terror en los últimos días.

• En Universal Pictures le han dicho a Guillermo del Toro que no habrá película de En las montañas de la locura. Los motivos, el alto presupuesto y la exigencia de que fuera una película de calificación R (restricted, en la que los menores sólo pueden ir acompañados de un adulto). Para los grandes estudios, una inversión de ese tipo sólo es justificable para productos destinados a públicos más amplios. Del Toro ya trabaja en Pacific Rim, una de mosntruos gigantes.
• Chloe Sevigny será Lizzy Borden en una miniserie para HBO. Borden, una joven americana de finales del siglo XIX, fue declarada culpable del asesinato de sus padres con un hacha.
• Ángel Sala será juzgado por proyectar A Serbian Film durante el último festival de Sitges. Un juzgado de Barcelona le acusa de un delito de apología de la pederastia.
• Aunque ya no se esperaba, habrá secuela de Toolbox Murders. A pesar de que la película de Tobe Hooper tuvo un recorrido discreto cuando se estrenó en 2004, la segunda parte está en proceso de rodaje. Dirige Dean Jones, que viene del mundo de los efectos especiales.
• Las secuelas en el cine de terror viene por donde menos se esperan. Parece que en Universal estarían interesados en resucitar La mujer pantera con un hombre como protagonista.  La película de la factoría de Val Lewton que dirigió Jacques Tourneur en 1944 ya tuvo una secuela dos años después de la original y un remake en 1982 firmado por Paul Schrader.
• Red Riding Hood pincha en la taquilla americana. Esta historia de hombres lobo de la directora de Crepúsculo parece que no se sostiene sin la masa de seguidores de las novelas. Parece ser que la promoción no ha logrado calar entre las adolescentes.
• The River, serie de Oren Peli (Paranormal Activity), parece que será una realidad si el piloto que dirigirá el catalán Jaume Collet-Serra consigue atraer la atención del canal ABC.
• Jonah Hill podría dirigir The Kitchen Sink. El guión de Oren Uziel sobre una invasión alienígena que debe ser detenida por un adolescente humano, un vampiro y un zombie ha encontrado casa en Sony, donde estarían interesados en que el popular actor realizara su debut con esta película.